绘画

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    绘画

    摘要

    绘画在艺术层面上,是一个以表面作为支撑面,再在其之上加上颜色的行为,那些表面的例子有纸张、油画布(canvas)、木材、玻璃、漆器或混凝土等。在艺术用语的层面上,绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形(drawing)、构图及其他美学方法去达到表现出从事者希望表达的概念及意思。

    绘画 中国历代绘画名家定义

         绘画吴道子《维摩诘像》

    绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术,在中世纪的欧洲,常把绘画称作“猴子的艺术”,因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样,绘画也是模仿场景。在20世纪以前,绘画模仿的越真实技术越高超,但进入20世纪,随着摄影技术的出现和发展,绘画开始转向表现画家主观自我的方向,看到一幅画鉴赏家有时已经说不清画的是什么,但一定能说出是谁画的。每个画家开始发展自己独特的风格。其含义有如下解释:

    1.作画。用笔等工具,墨、颜料等材料,在纸、纺织物、墙壁等表面上画图或作其他可视的形象。

    2.绘出的图或画。

    绘画是美术中最重要的一个品种。它是画家在纸、纺织品、木板、墙壁等平面上,以笔、刀等为工具,以颜料、墨、油、水为显示材料,以明暗的点线在和色彩的点线面为形式构成手段,来塑造具有可视的一定形感、体感、质感七量感、色感、空间感的艺术形象的艺术。这种具有丰富创仓性的描绘出来的图画,既是生活的反映,也是画家世界观和思想感情的反映,它具有认识作用、审美作用和教育作用。[1] 

    绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术,在中世纪的欧洲,常把绘画称作“猴子的艺术”,因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样,绘画也是模仿场景。 在20世纪以前,绘画模仿得越真实,技术越高超,但进入20世纪,随着摄影技术的出现和发展,绘画开始转向表现画家主观自我的方向,看到一幅画鉴赏家有时已经说不清画的是什么,但一定能说出是谁画的。每个画家开始发展自己独特的风格。不同的画家风格不同,也有不同的价值。20世纪初,有些画家的风格因评画者不能接受而被冷落甚至贬低,这就是为什么有些画家画的很好而并不出名或甚至被冻死、饿死的缘故。

    查阅国际君友会资讯中心关于绘画的释义是:绘画在艺术层面上,是一个以表面作为支撑面,再在其之上加上颜色的行为,那些表面的例子有纸张、油画布(canvas)、木材、玻璃、漆器或混凝土等。在艺术用语的层面上,绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形(drawing)、构图及其他美学方法去达到表现出从事者希望表达的概念及意思。

    绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式,它及其参与者的数量同样地为数众多。绘画的本质可以是自然及具像派的(如静物画(still life)或风景画)、影像绘画(photographic painting)、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。历史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导,这些绘画形式由陶器上的神话角色到西丝汀教堂的内壁及天花板上的圣经故事场景都有,它们会透过人类身体本身去表达灵性的主题。

    绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术,在中世纪的欧洲,常把绘画称作「猴子的艺术」,因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样,绘画也是模仿场景。

    在20世纪以前,绘画模仿的越真实技术越高超,但进入20世纪,随着摄影技术的出现和发展,绘画开始转向表现画家主观自我的方向,看到一幅画鉴赏家有时已经说不清画的是什么,但一定能说出是谁画的。每个画家开始发展自己独特的风格。

    油画及水彩画是西方文化中知名度最高的绘画媒体,它们在风格和主题有丰富且复杂的传统。在东方,黑色及彩色的水墨画则主导了绘画媒体的选择,但是它在风格和主题上和西方一样同样有着丰富且复杂的传统。

    中国绘画艺术历史悠久,源远流长,经过数千年的不断丰富、革新和发展,以汉族为主、包括少数民族在内的画家和匠师,创造了具有鲜明民族风格和丰富多彩的形式手法,形成了独具中国意味的绘画语言体系,在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。

    中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画,原始绘画技巧虽幼稚,但已掌握了初步的造型能力,对动物、植物等动静形态亦能抓注主要特征,用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。

    先秦绘画己在一些古籍中有了记载,如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰,楚国出土帛画等,都己达到较高的水平。

    秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国,疆域辽阔,国势强盛,丝绸之路沟通着中外艺术交流,绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风,其墓室壁画及画像砖画像石以及随葬帛画,生动塑造了现实、历史、神话人物形象,具有动态性、情节性在反映现实生活方面取得了重大成就。其画风往往气魄宏大,笔势流动,既有粗犷豪放,又有细密瑰丽,内容丰富博杂,形式多姿多彩。

    魏晋南北朝时期战争频仍,民生疾苦,但是绘画仍取得了较大的发展,苦难给佛教提供了传播的土壤,佛教美术勃然兴起。如新疆克孜尔石窟,甘肃麦积山石窟,敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画,艺术造诣极高。由于上层社会对绘事的爱好和参与,除了工匠,还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家,如顾恺之等。这一时期玄学流行,文人崇尚飘逸通脱,画史画论等著作开始出现,山水画、花鸟画开始萌芽,这个时期的绘画注重精神状态的刻画及气质的表现,以文学为题材的绘画日趋流行。

    隋唐时国家统一,社会相对稳定,经济比较繁荣,对外交流活跃,给绘画艺术注入了新的机运,在人物画方面虽然佛教壁画中西域画风仍在流行,但吴道子、周昉等人具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势,民族风格日益成熟,展子虔、李思训、王维、张缲等人的山水画、花鸟画己工整富丽,取得了较高的成就。

    五代两宋之后,中国绘画艺术进一步成熟完备一,出现了一个鼎盛时期,朝廷设置画院,扩充机构编制,延揽人才,并授以职衔,宫廷绘画盛极一时,文人学士亦把绘画视作雅事并提出了鲜明的审美标准,故画家辈出,佳作纷呈,而且在理论上和创作上亦形成了一套独的体系,其内容、形式、技法都出现了丰富精采、多头发展的繁荣局面。

    绘画发展至元、明、清,文人画获得了突出的发展。在题材上,山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪,“不求形似”、“无求于世”,不趋附大众审美要求,借绘画以示高雅,表现闲情逸趣,倡导“师造化”、“法心源”,强调人品画品的统一,并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体,形成了独特的绘画样式,涌现了众多的杰出画家、画派,以及难以数计的优秀作品。中国绘画是中国文化的重要组成部分,也是世界文化的一个重要分支。它根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似,更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料,建构了独特的透视理论,大胆而自由地打破时空限制,具有高度的概括力与想象力,这种出色的技巧与手段,不仅使中国传统绘画独具艺术魄力,而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。[2]

    绘画 概述

         绘画《人物龙凤图》

    中华大家庭的各族人民在中华大地上繁衍生息,以自己的聪明智慧创造出了石窟艺术、建筑艺术、书法、绘画、雕塑、工艺及民间美术等各种艺术形式,向世人展示着中国--这个东方大国底蕴深厚的艺术文明以及博大精深的艺术传统。

    追寻中华艺术神秘而悠远的轨迹,那些距今已五千年之久的彩陶器皿上所描绘的美丽纹饰,无论是水波纹、旋转纹、网纹或锯齿纹等抽象的图案,均或隐或显地折射出当时的社会风貌;而那些具象动物纹、人物纹线条简练,形象生动,显示了远古艺术家对事物质朴的敏感。

    绘画贺兰山岩画而比彩陶更为久远的艺术形式则是那些敲凿刻画在断崖峭壁上的岩画。中国岩画分布很广,南部地区有四川省、云南省、贵州省、福建省;北部有阴山、黑河、阿尔泰山等。南部地区岩画普遍用炽热的血红色调表现人们的祭祖及生产生活场面,具有强烈的视觉效果;北部地区岩画多表现狩猎、游牧、战争、舞蹈等题材。

    帛画是一种在丝布上面创作的绘画作品。出土在湖南省长沙南郊楚墓的帛画《人物龙凤图》是至今所知中国最早的绘画作品;与在另一楚墓发掘的《人物御龙图》并称姐妹篇,专家认为两图大致确立了中国工笔画的基本表现手法,在纸张出现之前,帛画不断发展,到西汉(公元前206--公元220年)时,技法纯熟,达到高峰。

    魏晋南北朝(公元420--公元581年)是中国绘画史上一个十分重要的时期。连年的战乱与频繁的朝代更替使当时的学术思想分外活跃,从而促进了艺术的发展。石窟壁画、墓室壁画、石、砖刻及漆画都具有相当规模,并且出现了开宗立派的专业画家,被尊为画祖的顾恺之和他的卷轴画极具这一时期的代表性。

    被喻为"画圣"的唐代大画家吴道子是一个高产画家,据说他的作品寺廊壁画便有300余堵,有记录的卷轴画100多件,其中以佛教、道教题材为多,另有山水、花鸟、走兽等。吴道子用笔起伏变化,气势雄峻而疏朗,表现出内在的精神力量。唐朝(公元618--公元907年)是人物画的繁盛时期。唐代中期,政权稳定,经济富足,贵族间的享乐风气十分盛行,以至最终发展影响到美术行业。擅长描绘宫廷女性的张萱和周P是这个画派的代表人物,正是这二位画家将人物画的表现转向现实生活,他们是贵族女性风俗画的先驱,对以后中国仕女画的创作具有重大影响。

    著名的绢本设色长卷《清明河上图》出于宋代画家张择端之手,这幅描绘北宋都城清明时节景象的作品,既是一件伟大的现实主义绘画艺术珍品,同时,又为后人提供了了解北宋时期大都市中商业、手工业、民俗、建筑、交通工具等情况的形象资料,具有重要的史料文献价值。

    唐朝(公元618--公元907年)是人物画的繁盛时期。唐代中期,政权稳定,经济富足,贵族间的享乐风气十分盛行,以至最终发展影响到美术行业。擅长描绘宫廷女性的张萱和周P是这个画派的代表人物,正是这二位画家将人物画的表现转向现实生活,他们是贵族女性风俗画的先驱,对以后中国仕女画的创作具有重大影响。 著名的绢本设色长卷《清明河上图》出于宋代画家张择端之手,这幅描绘北宋都城清明时节景象的作品,既是一件伟大的现实主义绘画艺术珍品,同时,又为后人提供了了解北宋时期大都市中商业、手工业、民俗、建筑、交通工具等情况的形象资料,具有重要的史料文献价值。

    江南苏州,史称"吴门",这里人杰地灵,文人荟萃,明朝时许多著名画家在这聚会,形成一个强大画派,人称吴门画派。吴门画派领袖沈周和文徵明、唐寅及仇英,统称"吴门四家"。他们重视继承前代人的笔墨传统,关注作品中的气韵神采,将对风格的追求作为艺术的重要目的。更由于他们本身深厚的文化修养,出发于各自的美学追求,使作品具有一定的创造性。吴门画派的笔墨技巧和表现对意境的营造,对后代具有很大的影响。 清朝初年,作为明朝(公元1368--公元1644年)遗民的朱耷(八大山人)、石涛、髡残和

    绘画朱耷作品欣赏弘仁,先后削发当僧人,被后人称为四大高僧画家。他们利用传统艺术形式,面向自然,面对人生,抒发心胸志向,表达真情实感。同时,他们还重视笔墨情趣,在创作中寻求超然宁馨的感觉,以抚慰历受折磨与煎熬的心灵。

    著名的"扬州八怪"之所以被人称为"怪",是因为这些画家作画不守墨矩,他们大都很有个性,孤傲清高,行为狂放,所以,被人称为"八怪"。他们的作品很多取材花鸟,以写意为主要表现方式,作品具有较强的主观色彩,令人耳目一新。尽管当时并不完全被人理解,甚至被认为旁门左道遭到非议。事实上正是他们开创了画坛新局而,为中国花鸟画的发展拓展了前途。

    清代末年民国早期,上海成为中国最繁荣的商业城市,因而吸引了当时的很多的绘画高手到来,形成了在"扬州八怪"之后中国近代绘画史上最后一个画派--上海画派。画派的代表人物首推任伯年和吴昌硕。任伯年加强中国画写实成份,将工笔与写意结合;中国传统画法与西洋画法结合;文人画与民间绘画结合。他注重观察生活,通过表现某种历史题材,创作出《苏武牧羊》等具有爱国主义思想的作品。吴昌硕从书法篆刻入手,把金石篆刻方法引入花鸟画中,他在花鸟画的运笔、泼墨、著色等方面都有开拓,对后人的画作、画风均产生了较大影响。海派画家是在上个世纪之交涌现出来的一支活跃而富有生气的画派,他们既吸收传统,又接近现实生活,是中国古典绘画向现代绘画过渡的一个重要环节。

    民间年画开始在秦汉(公元前221--公元220年)时期,是一种民间艺术形式。每逢过年,家家户户都在卧室、窗子、门上、灶台等处贴上年画,为的是祈求上天赐福消灾灭祸。从宋代开始镂版雕印技术后,木版年画得以发展与广泛流传,至清代发展到高峰。民间年画基本上是农民艺术,很富情节性、装饰性、趣味性,并色彩鲜艳强烈。随着时代的进步,尤其是近20年来,年画日益作为一种通俗而普及的艺术形式被保留下来,并在民间广泛流传。它以反映现实生活为主要题材,因而很受人们吉闻乐见。年画彩用新的印制技术后,发行量极大,是至今为止数量最多的出版物之一,也是世界上读者最多的画种。

    中国"五四"新文化运动使得许多画界学子学习和引进西方艺术,涌现出徐悲鸿、林凤眠等一批融合中西绘画的伟大画家。徐悲鸿吸收西方艺术中重视人体解剖、造型精确的特点,用以对中国画人物形象的刻画。他将西方绘画中的古典主义、浪漫主义、印象主义等流派艺术的精髓及要义与中国画有机地融合起来。在《画苑序》中,他总结的"新七法",既是自己艺术实践的总结,也是对现实主义美术理论研究的成果。徐悲鸿对中国美术教育做出了开创性的贡献。林风眠虽然也是融合中西画法的艺术大师,然而,他笔下的中国画和传统中国画有很大距离,表现形式很大程度属"西方化"。但林风眠作品在总体上传达了浓重的中国画韵味,空灵、含蓄、蕴籍而富有诗意。 齐白石是继海派画家之后将传统中国画推上一个新高峰的绘画大师。他对诗文、书画、篆刻都有很深的造诣。他成功地将民间艺术情趣融入文人画中,不仅扩展了文人画的表现题材,同时更新了文人画的艺术境界,开创了具有时代精神和生活气息的写意花鸟画的新篇章。他的作品洋溢着健康、快乐、恢谐、倔强、自足和蓬勃的生命力。

    黄宾虹是中国近百年来山水画的代表,艺术特征可用"浑厚华兹"来概括。黄宾虹作品"黑蒙蒙"的特点是因为他在晚年发现了夜山的"雄奇、黑密、沉静",这也是一种境界与美学价值的发现。

    黄宾虹 山居图 设色纸本20世纪中叶,山水画家纷纷崛起。江西省的钱岩松、傅抱石、魏紫熙;广西省的黎雄才、关山月;上海市的贺天健;西安市的赵望云、石鲁;浙江省的陆俨少等活跃于画坛;另外,晚年定居在中国台湾的张大千在山水画方面也很有水平。

    最具有代表性李可染。将西方绘画中表现光影的方法成功地融入到山水画的创作之中,但仍不失传统中国画特征。 2O世纪兴起的现代中国人物画,广泛吸收西方美术技巧,表现新的时代生活,在50年代成就就很突出。黄胄是其中很有创新精神的杰出的人物画家,黄胄既重视中国绘画的优良传统,又力求造型的准确。他的作品具有强烈的生活气息,笔下的景象,使人有身临其境的感觉。

    油画是明代、清代之交从西方传入中国的画种。到20世纪初,李叔同、李铁夫、陈抱一、徐悲鸿、林风眠、刘海粟等画坛学子纷纷出国学习,并将欧洲油画技法引入中国。当时活跃于在油画坛上的还有颜文梁、常书鸿、吕斯百和潘玉良等。

    20世纪50年代以后,油画进入以历史题材为主的创作时期,其中,董希文创作的《开国大典》最突出。2O世纪80年代,中国进入改革开放新时期,油画同中国美术的创作一样,发生了重大转变。其中以《父亲》 、 《西藏组画》等一批具有现实主义特色的油画影响最大。80年代中后期的油画作品出现了新的艺术形式和风俗,新尚谊的《瞿秋白》 、 《歌唱家肖扬》 ; 杨飞云的《北方姑娘》 ;何大桥的《静物》等在肖像和风景油画上显示了古典主义风格和写实油画细腻、深入的特点。这期间还有刘德润、李燕的《沂蒙娃》 ;王玉琦的《腊月》 ;高天雄的《老乡》和费正的《包饺子》等写实手法描绘乡土风情的作品。有姚仲华的《啊,土地》 ;官其格的《高原红色》等表现主义的作品;有苏笔柏的《大娘家》 ;周思聪的《正午》等简括写意手法的作品;有王怀庆的《伯乐》 ;刘秉江的《塔吉克新娘》等很具装饰艺术色彩的作品。另外,闻立鹏的《红烛颂》具有象征意义;韦启美的《讲座》具有构成主义倾向;高立达的《加利福尼亚高速公路》具有抽象主义成份。总之,到80年代末期,中国油画出现了空前的多样化的局面。

    《只树孤独图》是世界公认最早的木刻版画,它出现在唐代懿宗年间(公元868年)。中国最早的木刻版画是作为书籍的插图,20世纪30年代初,在鲁迅的倡导和支持下,新兴版画开始蓬勃发展。版画创作者不仅以中国传统的木刻为基础,并受到西方创作版画的影响,以现实主义的创作方法和比较写实的手法表现生活,出现了一大批充溢着旺盛活力和鲜明时代精神的作品。进入80年代后,版画创作的艺术风格更加多样化,品种、体裁、样式也急剧增加,版画创作呈现出全新的局面。 蓬勃发展于20世纪5O年代的中国现代民间绘画,具有非常丰富的想象力,创作者不受专业画法的约束,甚至不受真实现象和常规理制约,特色鲜明,在中国当代美术史上占有着一席之地。

    绘画 种类

         山水中国画_爱图天堂

    从绘画的材料上来讲,它可分为:中国画、油画、丙烯画、版画、水彩画、水粉画、镶嵌画、磨漆画、铁画、素描、速写等。从题材上可分为:人物画、动物画、风景画、静物画、历史画、宗教画、风俗画等。从画幅形式上可分为:单幅画、三连画、组画、连环画。从功用上可分为:宣传画、广告画、壁画、年画、漫画、连环画、书籍插日等。各种不同的题材、画幅形式和功用的绘画,又可以采用各种材料和工具来制作,例如,可以用油画来画人物画、静物画、历史画、宗教画、风俗画、宣传画、连环画、插图,也可以甩中国画来画这些门类的画。

     绘画按工具材料和技法的不同,分为中国画 、油画、 版画、 水彩画、 水粉画等主要画种。中国画又按技法的工细与粗放,分为工笔画和写意画。版画又根据版材的不同,分为木版画、 铜版画、 纸版画、 石版画、 丝网版画等;版画还依制版方法和印色技法分类,常见的有腐蚀版画 、油印木刻 、水印木刻 、黑白版画 、套色版画等。

    以上画种,又依描绘对象的不同,分为人物画 、风景画 、静物画等。人物画又依据描绘题材内容的不同,分为肖像画 、历史画 、宗教画、 风俗画、 军事画 、人体画。[1]

    绘画 体系

         东方绘画

    一般认为,从古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画,与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲力中心的西方绘画,是世界上的两大绘画体系。这两大绘画体系在历史上互有影响,对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度,它既可以表现现实的空间世界,也可以表现超时空的想象世界,画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解,团为绘画是可视的静态艺术,可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验,所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。

    绘画 绘画的真实

         塞尚作品

    通俗简单概括就是:
    绘画注重真实地表现自然
    复杂说就是:绘画的真实只是绘画流派之一
    在美术史上以“塞尚”为界。
    塞尚之前的绘画是以描绘客观对象为主,,因此重视绘画的真实性与客观性,重视比例 透视 解剖结构等,我们统称为传统绘画。传统绘画中有很多流派,如浪漫主义,写实主义,古典主义等。历史上几次掀起复兴古希腊的艺术,因而有了古典艺术,新古典艺术等,其特点是:构图稳重,重视素描关系。
    塞尚之后的绘画重点在于画家自身精神思想的表达。主要的艺术流派有:野兽派 立体派 超现实主义 波普艺术等等。
    印象派是因为当时物理学上光谱的发现,使得艺术家的表现方式从色彩调和发展到了视觉调和——不用原色作画,注重光与色的表达。虽然印象派与传统绘画有点不一样,但画家还是注重物体的真实性,所以印象派还是归类于传统绘画。塞尚是后印象主义画家中第一个用绘画表现情感与精神的画家。

    绘画 绘画基础

         素描

    素描,简而言之就是单色画。却又不尽然,素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课,虽然各专业的侧重点不同,油画重体积、调子,国画重线条,版画、设计重结构等;但素描的共性是差不多的。同时,素描作为独立的艺术种类,自有其独特的艺术价值,
    1. 理解多少就能表现多少
    素描是很理性的,素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥,充实的理性显得尤为重要;眼睛偏感性,生动、鲜活,但常常出现片面与误差;手只是实现脑眼商量的结果的工具,只要听话就行了,属于技术类(当然还有其它工具)。所以大脑要不断地学习与思考,只有思考才会有创新,会思考是人区别于动物的最大特征。首先,要学美术史,了解美术的发展过程,了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达,经过不断评判思考后才能给自己正确地定位,促使自己更好地发展,从而避免茫然失措和重复浪费;学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫,仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素,而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握,比如:表现一个人,仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的;每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识,这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化,更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭,无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用,几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来,从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间,素描更呈现多元风貌。 
    2. 基础·能力·素质
    素描是造型艺术的基础,素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力,宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质,就如同高楼大厦的根基,厚实、深藏、无华;也像武术中的站桩功,站都站不稳,“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞,要能吃苦,要有难度意识,冰冻三尺非一日之寒,古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的,要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较,如:眯着眼睛看大体,在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察,而且你描绘的如是正面,最好从侧面或顶部来观察物象,这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的;要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质,能从平凡中发现美的形式、美的韵味,并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式,有其自身的艺术生命力,单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义,它不单是打基础那么简单。有时,培养良好的审美素质,可以为一生的艺术活动奠定基础。
    3. 基本功与创造力
    基本功好,是不是就创造力强呢?不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”,特别在艺术走出现代派进入后现代的当今,创新观念成为主流。但在我国,那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在,这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育,现在又要推进基础教育的课程改革,主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功,而且可以说世界领先,我们缺的是领引世界的原创力。所以,处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在,有必要更新我们的基础观,打基础不只是死记硬背、机械重复训练,也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等,在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的,因为素描负载着全部有价值的艺术信息,也包含创造力,艺术的本质就是“创新”,回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以,要做个学艺上的有心人。
    4. 关于主动性
    学习素描的主动性,一是指行动上的积极实践,二是指思维上的勤于探索。二者合二为一,光说不练不行,光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法,就有这意思。即使是初学素描,也不能纯客观地再现,一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考,要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态,一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法,要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源,不要太依赖你的教师,要能积极自修,勤于动脑,放眼世界,要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己,在前进中不断学习。
    5. 到位与拉开
    “到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等,到位是一种基本功、一种能力,它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位,层次要高一些,主观的发展空间也大些,就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质,一种主观手段,“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等,是更高意义上的简化与归纳,它比“到位”又更加主观、自由,是艺术家个体主观能动性的精神表现,是一幅成功素描作品的重要指标,是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。
    “到位”与“拉开”,相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系;它们对立统一、相互牵扯;过分的“到位”显得沉闷、平庸,需要“拉开”来注入生气与活力;过分的“拉开”又显得花、碎、简单,需要“到位”加以整合,难就难在如何掌握这个“度”,或者说“恰到好处”,适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。
    6. “黑白灰”的重要性
    这里强调“黑白灰”概念的重要性,完全是出于多年经验的明证,因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法,特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是:将表达的物象,不管有多复杂、多凌乱,在明度上都把他(它)们概括归纳为画面黑白灰三大块,这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织,而任何一块又包涵许多层次(调子、体面),只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下;一般“灰”块的层面较为丰富,“黑”块的层面较为简练,三大块各自的面积具体而定,但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病,从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。
    “黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制,它的意义可能还会更多。
    7. 线条的意义
    世上本无纯粹的线条,苏派只承认点的连续排列(面)。然而,艺术就是艺术,是人的精神产物,虽然有科学性,但绝不能等同于科学的“真”,一加一并非等于二,艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世畼br /> ?的产物,线条是视觉艺术最基本的语言,是一种概括和“抽象”,它既古老又现代,而且永远不会过时;所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的,一出手就是线,更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的,我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折(形体或两色之间)、节奏等,还可以表达艺术家的主观情感,当时的冲动、激情,是一种主观的高度提炼,有时成为作品中的灵魂所在,于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究,既理性又感性,并非“外形线”那么简单,线条要注意表达出物象的来龙去脉:线的前后穿插、线的粗细强弱,哪里该用?哪里不该用?怎么贯气、怎么疏密对比?都有学问。仅一个边线,就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子(面)层次高,因为它是艺术家主观的产物,是一种“精神表现”。
    8. 调子是服务者
    要端正一个认识∶不要为调子而调子,调子只是形体结构的服务者。就是说,即使用调子要体现内在的结构、起伏,要围绕形体结构这一中心来进行,反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子;调子最好配合线条来运用,线条是外轮廓的高手,调子是表现内形体积、质感、层次的强者;如果线条是建筑中的地基框架,那么调子则是内外装饰,两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描,把调子推到至高无尚的位置,什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子,什么没有实际存在的线只有看不见的面啦,这种过于物理、刻板的教学理论体系,使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上,过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。
    不过,调子还有一种功效:可以渲染背景气氛、调节画面节奏,使画面浑然一体,更加美整。
    9. 强调“特征”的意义
    在初学素描就导入“特征”概念,会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中,也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先,形体结构与特征结合起来,就可生产“象什么”的第一印象,如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀,成语中“骨瘦如材”,还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等;还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述;“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧;其它的,如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等,总之,你认为值得描述的对象及细节,都可以有意挖掘其特征美;抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点,或重视某些画面可视的形,“宁过勿不及”,这样“严重”地对待,促使画面远看有视、近看有“形”,大的整体、小的局部都会显得耐看,有分量。“特征”的概念,在素描表现中应该是贯彻始终的。
    10. 重视“修改”
    这里的“修改”类似于一般意义上的调整,所不同的是:调整大都基于常规的循序渐进,而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干;因为敢画、敢错,才有“修改”的必要;而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程,有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此,不用怕脏、不用过分地小心谨慎,要敢做敢为;不用担心留有改过的痕迹,这痕迹应该是前进的足迹。
    “修改”是一种脚踏实地的学习态度,一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来,总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人,却不知是一种浮躁的表现。
    初学美术正规训练范画速写
    很多初学绘画者,包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写,总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中,我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法,但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者,我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限,没有机会接触这方面的老师。为此,我想借这次出版机会,将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来,献给那些有志于学画的青少年,为他们的学习助一臂之力,使他们在速写学习的过程中少走弯路,掌握正确的学习方法,接受到较为科学的速写正规训练指导。

    学画难吗?美术教育家徐悲鸿先生曾说过,有中等以上智力的人,通过努力,都能学好绘画。看来只要肯努力,钻进去,逐渐摸到规律,原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中,有的人儿童时代就画过儿童画,有的临摹过卡通画、连环画等,有的虽然没有动手画过速写,但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。
    速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式,它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受,画面生动感人,是速写的一个显著特征。因作画时间短,在描绘对象时,放笔直取,它可随时描绘我们周围生活中的任何物象,特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以,常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写,可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式,在进行相对长时间的素描训练的同时,多画速写,做到长、短期作业穿插进行,是绘画基础训练的一种良好方法,因此,速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。
    有些绘画大师,如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手,我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就,形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习,而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年,只要肯努力,保持高度热情,勤学苦练,多动脑筋,方法得当,持之以恒,就一定能画好速写,为绘画学习打下坚实的基础。
    速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以,以线条形式来描绘形象,是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外,其自身还具有艺术表现功能,它可体现出丰富的内涵,如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候,会不知不觉将自己的艺术个性,通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外,线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子,能增加速写艺术的表现力,使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外,纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。

    速写的工具与材料
    速写用的笔,初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔,因这两种笔在速写训练过程中较易掌握,待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。
    速写用纸没有什么特别讲究,70克左右的普通白纸即可,也可用新闻纸(印报纸用的纸),新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本,这为速写练习提供了更多的方便。
    另外,外出画速写时,应准备一个小画板或小画夹。
    绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上,但又要产生准确、真实的立体感的表现形式,因而绘画艺术离不开透视知识的运用。
    一般来说,透视形式主要有两种,即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行,这个面不发生透视消失现象;成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度,在画面上,两个立面都发生透视消失现象。
    视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点昼br /> ?指作画者垂直于画面上的那一点。

    速写训练的基本方法

    速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练,不仅要训练眼睛看得准,还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法?一般说来,以我们平时看东西的习惯来作画,往往是看到哪里画到哪里,这是一种局部的观察方法,用这种看一点画一点的观察方法作画,不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写,就要改变这种局部观察的习惯,学会整体观察的方法,养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识,在画某一点、某一局部时,不要只盯着一点看,而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较,对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数,从整体关系下笔。这种比较的过程,实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法,只有通过大量的练习,才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术,下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

    一、由简到繁

    初画速写,可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳,一双随便摆放的雨靴,一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系,用直线画出基本形,注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后,再充实些细节。例如画一张凳子,凳面与凳腿的关系是大关系,而榫头及局部特征等都是细节,这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。

    “繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如:枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等,作画方法也和画“简”的东西一样,先从大的方面入手,确定了大的关系后,再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的,然后将各简单部分画在复杂的大关系之内,这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点,就是整体与局部的关系。画各个细部时,要注意到它们各部分之间的关系,同时还要照顾到整体的大关系,不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系,后充实细部的原则,画“繁”的对象便不会感到困难。
    由简到繁的训练从大的题材上讲,可先画花卉,后画树木风景,最后画人物。

    二、由静到动

    初画速写,应先从静止的对象画起,稍熟练之后,再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人,有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象,反复比较所描绘对象的各种结构关系,使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定,线条是为了表达对象的形体关系,交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据,这个根据就是被描绘物的结构。

    初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较,从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画,一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。

    画动的物象,如动态人物、动物等,需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练,这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤,在后面的有关部分将会阐述。

    三、由慢到快

    画速写并不像我们有些初学者所想象的那样,下笔如写草书,一挥而就。因为画速写的过程,是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程,初学者须仔细体会,扎实描画。逐渐熟练了,画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些,如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成,以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行,这样才能在速写训练中既得到扎实的练习,又掌握到速写的一些方式方法。

    四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

    初学速写者首先要画一些有规律的对象,这样有利于把握造型的准确性,并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象,可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后,再画一些无规律的对象,如杂乱无章的灌木丛,转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握,通过中轴对称性原则,可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象,则较难把握,需要有一定速写基础后,方可对之速写。

    五、临摹与速写相结合

    学画速写的过程,应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法,如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等,尽可能在临摹中获得体会。另外,类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱,以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行,这样临摹才能有体会,才能将临摹中学到的东西运用到速写中去,真正变为自己的东西。

    绘画 中国绘画的源流

         中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画,原始绘画技巧虽幼稚,但已掌握了初步的造型能力,对动物、植物等动静形态亦能抓注主要特征,用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。
    先秦绘画己在一些古籍中有了记载,如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰,楚国出土帛画等,都己达到较高的水平。
    秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国,疆域辽阔,国势强盛,丝绸之路沟通着中外艺术交流,绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风,其墓室壁画及画像砖画像石以及随葬帛画,生动塑造了现实、历史、神话人物形象,具有动态性、情节性在反映现实生活方面取得了重大成就。其画风往往气魄宏大,笔势流动,既有粗犷豪放,又有细密瑰丽,内容丰富博杂,形式多姿多彩。
    魏晋南北朝时期战争频仍,民生疾苦,但是绘画仍取得了较大的发展,苦难给佛教提供了传播的土壤,佛教美术勃然兴起。如新疆克孜尔石窟,甘肃麦积山石窟,敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画,艺术造诣极高。由于上层社会对绘事的爱好和参与,除了工匠,还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家,如顾恺之等。这一时期玄学流行,文人崇尚飘逸通脱,画史画论等著作开始出现,山水画、花鸟画开始萌芽,这个时期的绘画注重精神状态的刻画及气质的表现,以文学为题材的绘画日趋流行。
    隋唐时国家统一,社会相对稳定,经济比较繁荣,对外交流活跃,给绘画艺术注入了新的机运,在人物画方面虽然佛教壁画中西域画风仍在流行,但吴道子、周昉等人具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势,民族风格日益成熟,展子虔、李思训、王维、张缲等人的山水画、花鸟画己工整富丽,取得了较高的成就。
    在中国,绘画的真实性在12世纪宋朝时已发展到高峰,尤以郭熙的早春图为写实主义的巅峰,以后就开始转向主观情趣的抒发,自王维被盛赞诗中有画,画中有诗後,文人画悠久的传统便延续至今。又自北宋後,中国绘画渐趋注重笔墨情趣的形式主义,举例而言文徵明的画即意不在山水的描绘而是藉由山水来堆砌各种运笔的手法。到15世纪的明朝末年,清朝初期时,画家已经开始向表现自我方向转化,不注重客观世界的描绘,而是,八大山人、扬州八怪、任伯年、吴昌硕等都有很强的自我风格,而不再计较再现自然的真实性。 现代画家如齐白石、张大千等更体现出大家风范,他们画的不一定真实,但任何人也模仿不出他们画的精髓!
    五代两宋之后,中国绘画艺术进一步成熟完备一,出现了一个鼎盛时期,朝廷设置画院,扩充机构编制,延揽人才,并授以职衔,宫廷绘画盛极一时,文人学士亦把绘画视作雅事并提出了鲜明的审美标准,故画家辈出,佳作纷呈,而且在理论上和创作上亦形成了一套独的体系,其内容、形式、技法都出现了丰富精采、多头发展的繁荣局面。绘画发展至元、明、清,文人画获得了突出的发展。在题材上,山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪,“不求形似”、“无求于世”,不趋附大众审美要求,借绘画以示高雅,表现闲情逸趣,倡导“师造化”、“法心源”,强调人品画品的统一,并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体,形成了独特的绘画样式,涌现了众多的杰出画家、画派,以及难以数计的优秀作品。
    中国绘画是中国文化的重要组成部分,根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似,更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料,建构了独特的透视理论,大胆而自由地打破时空限制,具有高度的概括力与想象力,这种出色的技巧与手段,不仅使中国传统绘画独具艺术魄力,而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。

    绘画 绘画之最

         最古老的绘画:法国的拉斯科洞穴中17000年以前的动物壁画。
    最贵的画:毕加索的著名油画作品《拿烟斗的男孩》在美国纽约索思比拍卖行被拍卖,并最终以创纪录的1.04亿美元(包括竞拍者的额外费用)的价格成交,成为世界上“最昂贵的绘画”。
    最大的画:1995年4月由美国的学生制作的一幅猫王埃尔维斯·普雷斯利的绘画,其面积广达7127.8㎡。
    耗时最久的画:米开朗基罗花了四年半的时间才完成的罗马西斯廷礼拜堂天花板上的画作。这幅画的面积超过900㎡。
    世界绘画之最——鲁东的超小幅油画:画家鲁东经过多年的艺术探索和试验,成功的开创了超小幅油画。他的一百多幅超小幅油画,以其独特的审美观念和娴熟的技巧,从多角度、多侧面展示了中国西部山区山民古朴、原始的生活现状。这批精美的艺术珍品,有着巨大的艺术价值和人文历史价值!

    绘画 20世纪的现代美术

         波普艺术现代美术三大师:
    马蒂斯(野兽派)、毕加索(立体派)、达利(超现实主义)。
    20世纪以来,现代美术呈现出流派迭起,千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画,强调形的单纯化和平面化,追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则,将自然物象分解成几何块面,从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立,表现主义作为一种重要流派登上画坛,此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动,此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生,其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家蒙德里安,而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。
    第一次世界大战期间产生的达达主义思潮,此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统,而且否定艺术自身,否定一切。杜尚将达?芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须,并将小便池作为艺术品,便是达达主义思想的体现。随着达达主义运动消退,在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义,弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础,力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起,表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、马格利特、夏卡尔、达利、米罗等。
    第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德?库宁为代表的抽象表现主义绘画,综合了抽象主义、表现主义的特点,强调画家行动的自由性和自动性。
    20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术,继承了达达主义精神,作品中大量利用废弃物、商品招贴、电影广告和各种报刊图片作拼贴组合,故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、沃霍尔等。
    而70年代兴起的超级写实主义(或称照相写实主义)运动,其主要特征是利用摄影成果,进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦,雕塑家中,安德烈、汉森最为著名。除上述之外,可以归入现代艺术范畴的还有偶发艺术、大地艺术等。其许多艺术活动已经超出了美术的范围。

    绘画 在中国

         绘画的真实性在12世纪宋朝时已发展到高峰,尤以郭熙的早春图为写实主义的巅峰,以后就开始转向主观情趣的抒发,自王维被盛赞诗中有画,画中有诗后,文人画悠久的传统便延续至今。又自北宋后,中国绘画渐趋注重笔墨情趣的形式主义,举例而言文征明的画即意不在山水的描绘而是借由山水来堆砌各种运笔的手法。到15世纪的明朝末年,清朝初期时,画家已经开始向表现自我方向转化,不注重客观世界的描绘,而是八大山人、扬州八怪、任伯年、吴昌硕等都有很强的自我风格,而不再计较再现自然的真实性。

    现代画家如齐白石、张大千等更体现出大家风范,他们画的不一定真实,但任何人也模仿不出他们画的精髓。

    绘画 中西绘画区别

         1、中西方绘画大师的作品拍卖价为何相差如此巨大?
    答:因为文艺复兴时期的作品改变了很多历史性的东西,是人们的宗教信仰,而中国绘画却没达到这一目的.
    2、不会同时期的绘画大师(如达芬奇,丁托列托)绘画绘画同一题材,如《最后的晚餐》为什么拍卖价值会有巨大区别!
    答:相信你听过这句话:第一个吃辣椒的人是勇士!原因就在这.
    3、同一绘画大师的不同时期作品拍卖价格有什么区别?
    答:基本上能代表他风格的作品价格是最高的。其他的根据画的大小 保留程度 以及绘画时候 技法等来确定!
    5、米开朗其罗的《大卫》为什么更有艺术价值?
    答:因为大卫是米开朗其罗的代表作品之一,也是保留最完整的作品之一,这个作品因为体现了这一时期的另一件作品是创作于1501年的《大卫》--神化的人形已经确立。米开朗基罗其后的一些雕刻作品是几组陵墓雕像,断断续续工作了很长时间,其中较为著名的是《垂死的奴隶》 、 《被缚的奴隶》 、 《摩西》 和《昼》 、 《夜》 以及《晨》 、 《暮》 。米开朗基罗晚年未完成的四件雕刻作品实际上是在为自己设计墓地雕像,是一样的题材 《哀悼基督》 ,形象既不明晰手工也不细腻,或许是在走过了八十多年的人生路程之后,在向世人诉说,不是人生的抱负无以施展,而是天国的奥秘藏而不露。米开朗基罗雕刻作品的风格形成和创作走向与其绘画作品的风格形成和创作走向是一样的线索:英雄气概磨难而成壮心不已的烈士暮年。早期的作品是其内心世界的表白,随后的一些作品表现为风格样式的定型,后期的作品仍然是艺术家的心情归宿。当时代的人们更多称道的是早中期作品中神人兼备明察的力度,后来的人们更注意其后期作品创作时悬而未决封闭的深度,美学的焦距不再是简单的对准艺术的创造物而是艺术家个人和作品之间、与现实之间纠缠不清的关系,现代艺术更是如此。
    所以说米开朗基罗先是以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。而最能代表他的作品就是(大卫)

    绘画 古埃及绘画表现手法

         新王国绘画的繁荣体现在大量精美的浮雕和壁画上。这些艺术作品都存在于神庙和陵墓之中。神庙中的绘画内容除了一些描绘祭祀场面外,很多都是歌颂法老在战争中的神勇武功,而坟墓中则是表现法老们生前的奢侈生活场面以及对来生奢华的向往和准备。这一时期的绘画已是独立的艺术表现形式,不再依附于浮雕。
    凯尔奈克神庙不仅是古埃及最重要的神庙建筑,同样也保存了大量的浮雕和壁画。每一根大柱、每一面墙上都布满了作品。如著名的《图特摩斯三世年代记》 ,其中有一幅描绘他打击敌人的场面,图特摩斯三世迈开大步,一手抓住敌人的头发,一手举起手中的令牌,正要痛击敌人。这一生动逼真的表现成为凯尔奈克神庙中最为完美的君王形象。
    这一时期同样也留给我们大量精美绝伦、色彩艳丽的墓室壁画,如第20王朝拉美西斯六世的墓室天花板上的《天空星象图》 ,场面宏大而且具有神秘象征含义。在画面中央是天空女神努特和太阳神的身体靠在一起,形成长长的直线将画面一分为二,在这两部分里都有着各自象征星辰的神,每天晚上努特女神将太阳吞入,每天早晨又吐出,从而代表新的一天的来临。画面布满了整个天顶,让人充分感受到了古埃及神秘宗教的力量。
    现今能看到的中国商周时期的绘画遗迹极少,推测可能是因为都绘制在易于腐烂的木质或者布帛上。在商代的多处墓葬中就曾发现过残存的彩绘布帛和很多木质品上的漆画残留。在殷墟也曾发现过建筑壁画的残块,以红、黑两色在白灰墙皮上绘出卷曲对称的图案,有些装饰趣味。直至西周,开始出现有表现人物活动的纪事性绘画作品。
    青铜纹样——饕餮纹在此时期的绘画中比较具有代表性,纹样象征古代传说中一种贪食的凶兽饕餮的面形,图案多有变化,常作为器物上的主题纹饰。

    分别从建筑、雕刻和绘画这三方面比较了古代埃及和中国的美术成就,从而看出两个同样辉煌的文明对艺术不同的领悟和表现方式。[3]

    绘画 中国历代绘画名家

          

    薛稷


      薛稷(649-713),字嗣通,蒲州汾阴(今山西万荣西南)人,名臣魏徵外孙。官至太子少保、礼部尚书,人称“薛少保”。以书法名世,为书法初唐四大家之一。也擅画人物、佛像、鸟兽、树石,画鹤尤其生动,时称一绝,李白、杜甫等都曾吟诗颂其画鹤。绘画作品已无存。
     

    吴道子


      吴道子吴道子《维摩诘像》(约680~759年 )唐代画家。画史尊称吴生。又名道玄。汉族,阳翟(今河南禹州)人。约生于永隆一年(680) ,卒于乾元元年(758)前后。少孤贫,初为民间画工,年轻时即有画名。曾任兖州瑕丘(今山东滋阳)县尉,不久即辞职。后流落洛阳,从事壁画创作。开元年间以善画被召入宫廷,历任供奉、内教博士、宁王友。曾随张旭、贺知章学习书法,通过观赏公孙大娘舞剑,体会用笔之道。擅佛道、神鬼、人物、山水、鸟兽、草木、楼阁等,尤精于佛道、人物,长于壁画创作。
     

    韩干


      韩干,京兆(今西安)人,活动于玄宗时代。少年时曾作酒肆佣工,得王维资助,改学绘画,十年而成。擅画肖像、人物、鬼神,尤精于画马。画马师承曹霸,但更重写生,所画之马,壮健神骏,被誉为“古今独步”。现存作品有台北故宫博物院藏的《牧马图》册页和美国大都会博物馆藏的《照夜白图》卷。《牧马图》画一虞官驾白马缓行,右侧为一黑马,用笔纤细遒劲,色墨渲染得宜。此画曾经南唐内府及宣和内府收藏,并有宋徽宗题“韩干真迹”。《照夜白图》画玄宗坐骑照夜白,也是流传有绪的作品。另有旧题《韩干神骏图》卷,藏辽宁省博物馆,今定为五代人仿作。
     

    韦偃


      韦偃,长安(今西安)人,寓居于蜀,擅画人物、鞍马及山水。虽承家学传统,但青出于蓝。据记载,他画白川原牧马,马的姿态变化万千,穷极生动。今可以通过故宫博物院所藏宋代李公麟《摹韦偃牧放图》卷一画来了解其风范,该图绘骏马一千二百余匹、圉人等一百四十余名,众马姿态各异,栩栩如 生。此外,他所画山水,也对唐代山水松石的变革有过重要作用。


    绘画 中国现代绘画名家

          

    刘大为


      

    刘大为《千里之行》

     刘大为自幼随刘大为《千里之行》父母移居内蒙包头市,1968年从内蒙师范学院美术系毕业后,做过工人、记者、走遍牧区草原,淳朴、善良、勇敢。1980年毕业于中央美术学院中国画研究生班,受教于叶浅予、蒋兆和、李可染、吴作人、黄胄等中国著名画家,基本功扎实,并刻意求新,工、写皆精。作品严谨深刻并富有浓烈的生活气息,作品以反映北方少数民族生活风情以及重大历史题材著称于世。刘大为是全能型画家,工笔重彩和水墨写意兼精。他的工笔人物画造型严谨,刻画入微线条流畅,刚健爽朗,风格清闲,完全摆脱了旧人物仕女画柔靡琐细的积习。他的水墨写意人物画更是继承了近代自任伯年以来包括徐悲鸿、蒋兆和、叶浅予、黄胄等大师的优秀传统,其特点就是热爱人民、贴近生活、造型生动、神态逼真、笔墨潇洒、清新流畅。在他画的草原风情组画中,这些特点充分流露出来。近几十年来,大量作品在中国及美国、日本、法国、新加坡、香港、澳门、台湾等地展出,获奖三十多次,是获奖最多的画家之一。是中国当前艺术成就突出,影响较大的中国画家。1998年当选为中国美术家协会常务副主席,主持中国美术家协会工作。
     

    何家英


      

    何家英《酸葡萄》

     何家英,何家英《酸葡萄》男,1957年生,天津人。 著名国画家。1980年毕业于天津美术学院并留校任教。现为全国政协委员、天津美术学院教授、中国美术家协会副主席、天津美术家协会副主席。国家有突出贡献专家,天津文联德艺双馨文艺工作者。 何家英是当代中国画坛的著名工笔人物画家,被誉为“最有希望最有代表性的年轻一代画家”。他着眼于中西方绘画的相通之处,在两者的契合点上参悟因革,尊重传统而不束于旧范,问途城外而不流于追随。他的创作高扬写实精神,注重生命体验。作品刻画具微,布置谨重,人物清丽莹洁。他的写意作品也能别创新意,含蓄、虚豁、自然大方。作品注重对心灵的卓越表现和对人性的深刻关注,为中国人物画的创新作了富有成就的探索。先后到日本、韩国、印度、香港等地参加画展,已出版的画册有《何家英作品集》、《何家英画集》、《当代实力派画家——何家英》、《名家手稿——何家英》、《当代国画大师代表作品集》等。
      何家英为中国工笔人物画向当代性的转型做出了自己的贡献。他创造性地借鉴了中国工笔画的传统和西画中严谨扎实的造型技法,结合当代人的审美观点,创作出一大批洋溢着时代气息的作品。读他的画,会从中找到一种真诚细腻的激情和梦幻般的理想色彩。
      何家英能取得今天的成就,自然与他独特的创作理念分不开。在他眼里,继承传统和创新其实是“一事两步”,“哪一个都不能丢,丢了一个也就丢了另一个,真有传统者总想为创新开路,真求创新者不会拿传统祭刀”。他的这一思路既是对当下中国画领域的时尚潮流的反思,也是对自己创作的要求。他力求在东西方不同的传统中探求相同的规律、彼此的契合点。
      作为一位深谙传统的画家,何家英对晋唐画风达到的雄浑雅健、造型饱满、高逸充盈、朴素自然的高度赞不绝口。这正是他所要继承的传统,也正是他的工笔画所汲取的传统营养。他深信:“中国画,至少是中国工笔画,其精神意度、方式方法,在很大程度上是可以容纳西画的。当然,这里大体上是指晋唐画风。”
      何家英除了对传统有着独到的认识外,对中国画吸收西画营养的方式也有自己的见解。他反对那种只吸收概念,只做表面文章的做法,认为“与其接受那些大而不当的概念,不如借鉴些具体方法解决问题。西画的观察、审视、理解和提炼,和晋唐传统并无二致,可对应、契合。很多的西画作品能更直观地给我们实践上的参照,这种实实在在的启悟益人神智”。
     

    王明明


       王明明,1952年5月4日生于北京,山东蓬莱人。
      自幼酷爱绘画,儿童时代的作品曾到三十几个国家展出,曾获世界儿童画比赛特等奖、一等奖。1978年考入中央工艺美院未入学,同年调入北京绘画院从事专业创作。
      现为国家一级美术师、北京市文化局党组成员、副局长,中国美协副主席、北京市美术系列高级职称评委会副主任、北京市人大代表。全国政协委员,政协第十一届全国委员会常务委员。1969年3月参加工作,曾任北京手扶拖拉机厂工人,北京画院画家、副院长、常务副院长、院长。2000年9月任北京市文化局党组成员、副局长,分管全市美术工作。2010年1月任国务院参事室副主任。
     

    李荣海


      

    李荣海《映日荷花》

    李荣海《映日荷花》李荣海,男,1950年9月出生,作品多次参加全国及省级展览,部分作品在日本、新加坡、波兰、香港、澳门等国家和地区展出。他不仅是位书法家,更是一位文艺工作组织者和领导者,先后成功地组织数次全国大型书画活动, 曾任菏泽市人民政府秘书,菏泽市文化局副局长,曹州书画院院长,菏泽市文联主席,中国文联艺术开发部常务副主任,曹州书画院,曹州碑廊创始人。东省“十佳”文艺工作者,山东省第九届人大代表。现为中国美术家协会分党组成员、副秘书长,中国美术家协会理事,中国书法家协会理事,中国书画印研究院专家委员,中国书画名家网艺委会艺术顾问,中国剑光书画院顾问,中央机关书画协会副主席,中国书法家协会评审委员、研究馆员。多次参加社会公益活动,巨幅草书千字文被中南海收藏。 传略和作品被编入《当代中国书法艺术大成》《中国当代书画家名人大辞典》《中国文艺家传集》《中南海珍藏书法集》《中华人物大典》《中国专家人名辞典》《世界名人录》《东方之子》等辞书。 出版有《李荣海书法作品集》《李荣海书法楹联集》等。
     

    顾正主


     

    顾正主《和平昌盛》

     顾正主《和平昌盛》顾正主,生于1962年7月,江苏盐城人。 擅长中国画。1981年任部队放映员、班长。1992年毕业于解放军艺术学院美术系,1993年解放军艺术学院美术系毕业留校任军务处副处长,院务部副部长,中国美协中国画艺委会秘书,解放军艺术学院院务部副部长,美术系副主任,上校军衔,中国美术家协会会员。现任总政干管局副政委.总政老干部学院副院长,大校军衔,中国美协、中国画艺术委员会副秘书长,办公室主任。其业绩被收编于《世界优秀人才大典》、《共和国专家成就博览(世纪珍藏版)》等。其作品多以表现军旅题材为主,大量作品被国家级报刊杂志选登,在国内外各项展览中展出并多次获奖。作品《豆蔻年华》参加全国第八届美展,《大山的儿子》参加第三届中国当代工笔画大展,《白鸽》、《大参军》参加全军第九届美术作品展览,《和平》获迎澳门回归全国美展银奖,《秋韵》入选跨世纪暨建国五十周年全国山水画展获得铜奖。《重归沂山》获首届“孺子牛”杯全国书画展银奖;《决口》获“抗洪精神赞”全军美术展作品优秀奖;《献身》获纪念五四运动八十周年全国当代中国青年书画大展铜奖;《和平》获迎澳门回归全国书画大展银奖;《荷花清风》参加全国第六届工笔画大展特邀作品。
     

    唐秀玲

    唐秀玲《君子之交》唐秀玲《君子之交》   唐秀玲《君子之交》唐秀玲,(1956.1—)女,1956年生于山东淄博, 山东莱芜人。
      1983年毕业于山东师范大学美术系,1994年结业于中央美术学院国画系进修班,1998年结业于文化部重彩画高研班。历任山东省轻工美校教师、山东淄博书画院副院长,淄博学院美术系教授,市美协副主席兼秘书长。现为教育部艺术教学指导委员会委员,中国美术家协会会员,一级美术师,山东省美术家协会副主席,淄博市文联副主席,淄博市美术家协会主席,淄博书画院副院长、 山东理工大学美术学院教授、学术委员会主任、硕士生导师,山东省首批艺术科学重点学科 作品多次由文化部外联局选送出国展出,作品曾发表于《美术》、《美术研究》、《中国书画》、《中国画研究》、《国画家》、《江苏画刊》等,主编《工笔人物画技法新编》、《重彩画风—首届中国重彩画大展作品精粹》等专著及画册。
      作品《金沙滩》、 《高原之花》 分别被中国美术馆收藏。曾获全国中国人物画展览优秀奖、中国工笔画第三、四届大展铜奖,作品入选第七、八届全国美展、中国女美术家作品展、中国艺术大展等。 唐秀玲《金沙滩》 唐秀玲的代表作《金沙滩》被中国美术馆收藏并收入《二十世纪中国美术—一中国美术馆藏品选》画集。
     

    赵新建


     

    赵新建《荷塘月色》

     赵新建《荷塘月色》[1] 赵新建,1970年生于山东巨野县。李荣海先生门下弟子, 毕业于山东省轻工美术学校。现为中国书画学会副主席,中国美术家协会创作中心敦煌创作委员,国画作品多次参加全国美术展览并获奖,被中国收藏学术委员会、世界文化艺术鉴定中心联合授予“当代中国书画收藏市场最具收藏价值艺术家”。
      九三年毕业分配至淄博市工艺美术研究所刻瓷研究室。在全国艺术展览活动中荣获多种奖项。95年任刻瓷艺术研究室主任。其刻瓷作品多次作为国礼赠送与外国政要,并为温家宝、习近平、吴仪、徐才厚、李铁映、欧阳中石、李荣海、顾正主、宋楚瑜等政府高层人物及艺术名家刻制肖像受到好评。
      画家赵新建生于20世纪70年代,作为新时代经受着外来思想与传统意识的碰撞与冲击的新一代画家,其内心的体会与艺术语言的表达方式自与老一辈的画家有着很大的不同。作为画家赵新建十分注重现实生活中的体验与感受,他敏锐地把握形式的生动性与美感的灵动性,并形成了独特的表现技法与艺术语言。画家的作品《荷塘月色》《荷塘忆事》《荷塘夏日》《清塘荷韵》《荷塘》等都是以荷为题材创作的作品,这些作品把握了现实中荷花的美感并加以升华,赋予了荷花全新的美感魅力。
      画家具有丰厚的人文素养与艺术修养,花鸟画作品吸收了多方面的艺术元素,他的荷花作品使人在清新、明净中体会审美的愉悦,显示出作者对艺术的把握与领悟的能力。
      主要展览:五届工笔画展.山东首届中国画双年展优秀奖.首届北京国际美术双年展之当代花鸟画展.中华文人画优秀小品展银奖.首届写意画展."长江颂"全国中国画提名展.首届中国文学艺术界金狮奖银奖.
     

    江宏伟


      

    江宏伟《牡丹》

    江宏伟《牡丹》江宏伟,1957年生,江苏无锡人。历任南京艺术学院讲师。现为南京艺术学院副教授,硕士生导师,中国美术家协会会员。1974年考入南京艺术学院美术系。1977年毕业于南京艺术学院美术系,留校任教。从该院教授李长白、刘菊清学习工笔花鸟画 。 《当代高等院校中国画名家教学系列----江宏伟课稿》(湖北美术出版社)。古吴轩出版社出版《江宏伟画工笔花鸟画》 。 在日本现代艺术中心举办“江宏伟展”赴欧洲七国考察。在比中友协举办双人展 。 1999年参加中国美协主办“跨世纪中国画名家二十一人画展”(中国美术馆) 。 参加广州“华艺廊”举办“江宏伟工笔花鸟画展”,出版画册《华艺廊丛书—江宏伟》(广州出版社)。
      他着力于领悟发掘传统工笔花鸟画的精髓,其作品具有深沉而静穆的审美情趣以及表现出现代式的古典情怀 。江宏伟着力于领悟发掘传统工笔花鸟画的精髓,其作品具有深沉而静穆的审美情趣以及表现出现代式的古典情怀
      江宏伟是当代花鸟画家中有代表性的人物。他的艺术可以称为现代中国画精雅风格的典型。自上世纪八十年代以来,年轻的画家即以深幽的意境、内美的素质、典雅的风格和精湛的艺术表现,在中国画界绽露头脚,博得赞誉。20年来有一种“只顾耕耘,不问收获”的心态,在画室里劳作着,对于人们很在乎权威报刊、电视传媒的评介宣传以及就此可致的界内外的地位头衔,他都以一种平常心对待之。十余年来他已有几本精美的画集出版,写了一些自己作画心得的文章,他的文章和他的画一样绝无躁动之气,不去指点别人的是非,只写下自己面对友人的和自己与大自然对视的心语。
     

    艾轩


      

    艾轩《凝神冰原》

     艾轩,1947年11月11日出生艾轩《凝神冰原》,浙江金华人。 1967年毕业于中央美术学院附中。1969年3月-1973年3月?在河北蔚县西合营劳动四年。1973年分配至成都军区文化部创作组任美术创作员。国家一级美术师、中国美术家协会会员、中国油画学会常务理事。现任北京市政府高级文艺职称评审委员,北京画院油画创作室主任,中国美术家协会会员,北京画院艺术委员会委员,国家一级美术师。1967年毕业于中央美术学院附中。1981年作品《有志者》获第二届全国青年美展二等奖。1984年作品入选第六届全国美展。1985年作品《若尔盖冻土带》被中国美术馆收藏。1986年参加日本第二届亚洲美展,同年参加法国第十八届国际美术节。1987年赴美国俄克拉荷马城大学访问并在美国举办个人展览,作品《陌生人》等参加在美国纽约哈克尼斯中心举办的首届中国油画展。1989年作品入选摩纳哥蒙特卡罗国际美术大展。1993年赴德国、荷兰、奥地利举办画展。1994年作品《荒原往事》入选第二届中国油画展。1995年参加第一届国际艺苑油画展。1996年由香港亚洲出版社出版画册《艾轩》,并与罗中立、王怀庆、王沂东、曹力出访美国参加中国油画大展。1997年作品《又清又冷的空气》入选中国油画肖像艺术百年。1998年由四川美术出版社出版《艾轩西藏风情》。1999年作品入选中国美术百年。2004年作品入编《中国油画十家》。出版有《艾轩和他的艺术》、《艾轩写实主义油画技巧》、《中国当代写实派—艾轩油画艺术》等。作品被中国美术馆、日本福冈美术馆、国内外艺术机构及私人藏家广泛收藏。
     

    何多苓


      何多苓,1948年生于成都,毕业于四川美术学院研究生班。现居成都。作品曾入选1982年巴黎春季沙龙,以及1986年在日本举办的亚洲美展,并多次在全国美展中获奖,曾获第22届蒙特卡洛国际艺术大奖赛摩纳哥政府奖。此外,何多苓还曾在国内外多次举办个展,1994年参加美术批评家年度提名展,1996年参加上海美术双年展。作品为中国美术馆、福冈美术馆等海内外艺术机构和收藏家收藏。
      何多苓的艺术具诗意的特质,重绘画性,唯美、优雅、感伤,他追求的是无拘无束的自由度。他的艺术造型功底坚实而全面,落笔之处,人物、景象充满生命活力。他在形式语言上所推崇的单纯感与中国传统水墨画具有异曲同工之妙,在洗练中见细致,于单纯中现复杂,表现出一种超然的精神境界和深层次的艺术追求。

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